Después de varios años de estudio e investigación estoy por concluir mi método de Guitarra, el cual comprende un compendio de técnicas de guitarra clásica, popular y eléctrica, los mismos que los he pulido en estos años y los cuales he puesto en práctica con mis alumnos con excelentes resultados. Lo novedoso del método es que podrás aplicar las mismas bases para estos tres tipos de guitarra, obviamente la ejecución varía mucho en cada forma, pero los principios son las mismos, además incluirá arreglos para guitarra clásica de obras de grupos de Rock, Pop como Nirvana, Metallica, entre otros, con esto quiero que entiendas y abras tu mente a nuevas posibilidades que puede prestar la guitarra.
Muy pronto abrá más novedades ya que se formará una revista virtual que se enfoque en las nuevas tendencias de la guitarra, pero también se incluirá una sección en la que se rescate nuestra música pero desde el enfoque artístico que merece y que lamentablemente muy pocas personas conocen en nuestro país.
martes, 24 de mayo de 2011
Porque tocar guitarra
En la actualidad vivimos en un mundo muy acelerado y exigente lleno de presiones, estrés, depreción, etc, por lo que necesitamos una forma de relajarnos y olvidar por un momento los problemas cotidianos.
La música es un arte que nos llena de sensaciones por lo que es una buena opción para escogerla como un escape momentaneo. Existen varios instrumentos a nuestra elección, pero le daré particular énfasis a la guitarra ya que por mi experiencia personal y a la vez profesional en la pedagogía de este instrumento con personas de diferentes edades, géneros y capacidades por más de 8 años, puedo hacer las siguientes recomendaciones para aprender este instrumento.
Buena coordinación de los sentidos
La guitarra al ser un instrumento de cuerdas, necesita que los sonidos puedan ser generados mediante la tensión de las mismas con una mano y a la vez la presión en los trastes con otra mano, para realizarlo correctamente se necesita poder coordinar los movimientos con ambas manos, lo que al principio es muy dificil pero con la práctica se llega a resultados excelentes como el siguiente caso, donde podemos observar como un grupo de niños ejecutan una canción con total destreza, este es el fruto de haber coordinado tanto la lectura de la partitura y la memorización de la obra, todo en un proceso mental que involucra vista, oido, tacto, memoria, sentimientos.
Agilidad
Como dice el dicho "la práctica hace al maestro" , la constante práctica puede ayudarnos a resultados sorprendentes como en el siguiente caso, donde vemos un manejo virtuosístico de la digitación. Debido a la exigencia y rapidez de ciertas obras, se requiere un desarrollo mayor que el resto de personas en la movilidad de los dedos lo que lleva a un incremento en la agilidad no solo física sino también mental. Claro esta que todo depende de que es lo queremos lograr con el instrumento.
Adicionalmente se puede tocar guitarra como terapia física cuando se ha sufrido algun accidente en las manos ya que esto estimula la agilidad de los dedos.
Autoestima
Dominar cualquier actividad puede traernos mucha satisfación, más aún si nos ponemos pequeñas metas cada día. La guitarra es un ejemplo perfecto ya que cuando se inicia, empezamos sin conocer nada y a medida que avanzamos la dificultad incrementa pero con la constancia se logra superar cualquier dificultad, lo que a su vez nos deja una agradable sensación ya que podemos darnos cuenta de los logros que hemos obtenido. Esto es más notorio en los niños ya que al ser más espontáneos, no esconden su alegría cuando logran sacar una canción nueva y más si les ha costado mucho tiempo, esto eleva su autoestima e incrementa su seguridad ya que siempre habrá alguien en su familia que le pida que toque lo que ha aprendido.
Dinero
Bueno en este mundo lastimosamente no se puede vivir sin dinero. Como es de conocimiento de todos la industria musical es muy grande y existen diferentes opciones para cada público ya sea Rock, Pop, Jazz, Blues, Clásica, etc. Mucha gente estudia guitarra como su medio de vida ya que al instrumento si le dedica el interés y la constancia necesarias siempre retribuye generosamente, atrás quedó el mito del músico pobre, yo lo cambiaría por el músico descuidado ya que actualmente con la revolución del Internet ha hecho posible que varios músicos que no tienen acceso a grandes disqueras puedan masificar su música, para lo cual existen varias posibilidades como Youtube, Facebook, Myspace, etc.
La música es un arte que nos llena de sensaciones por lo que es una buena opción para escogerla como un escape momentaneo. Existen varios instrumentos a nuestra elección, pero le daré particular énfasis a la guitarra ya que por mi experiencia personal y a la vez profesional en la pedagogía de este instrumento con personas de diferentes edades, géneros y capacidades por más de 8 años, puedo hacer las siguientes recomendaciones para aprender este instrumento.
Buena coordinación de los sentidos
La guitarra al ser un instrumento de cuerdas, necesita que los sonidos puedan ser generados mediante la tensión de las mismas con una mano y a la vez la presión en los trastes con otra mano, para realizarlo correctamente se necesita poder coordinar los movimientos con ambas manos, lo que al principio es muy dificil pero con la práctica se llega a resultados excelentes como el siguiente caso, donde podemos observar como un grupo de niños ejecutan una canción con total destreza, este es el fruto de haber coordinado tanto la lectura de la partitura y la memorización de la obra, todo en un proceso mental que involucra vista, oido, tacto, memoria, sentimientos.
Agilidad
Como dice el dicho "la práctica hace al maestro" , la constante práctica puede ayudarnos a resultados sorprendentes como en el siguiente caso, donde vemos un manejo virtuosístico de la digitación. Debido a la exigencia y rapidez de ciertas obras, se requiere un desarrollo mayor que el resto de personas en la movilidad de los dedos lo que lleva a un incremento en la agilidad no solo física sino también mental. Claro esta que todo depende de que es lo queremos lograr con el instrumento.
Adicionalmente se puede tocar guitarra como terapia física cuando se ha sufrido algun accidente en las manos ya que esto estimula la agilidad de los dedos.
Autoestima
Dominar cualquier actividad puede traernos mucha satisfación, más aún si nos ponemos pequeñas metas cada día. La guitarra es un ejemplo perfecto ya que cuando se inicia, empezamos sin conocer nada y a medida que avanzamos la dificultad incrementa pero con la constancia se logra superar cualquier dificultad, lo que a su vez nos deja una agradable sensación ya que podemos darnos cuenta de los logros que hemos obtenido. Esto es más notorio en los niños ya que al ser más espontáneos, no esconden su alegría cuando logran sacar una canción nueva y más si les ha costado mucho tiempo, esto eleva su autoestima e incrementa su seguridad ya que siempre habrá alguien en su familia que le pida que toque lo que ha aprendido.
Dinero
Bueno en este mundo lastimosamente no se puede vivir sin dinero. Como es de conocimiento de todos la industria musical es muy grande y existen diferentes opciones para cada público ya sea Rock, Pop, Jazz, Blues, Clásica, etc. Mucha gente estudia guitarra como su medio de vida ya que al instrumento si le dedica el interés y la constancia necesarias siempre retribuye generosamente, atrás quedó el mito del músico pobre, yo lo cambiaría por el músico descuidado ya que actualmente con la revolución del Internet ha hecho posible que varios músicos que no tienen acceso a grandes disqueras puedan masificar su música, para lo cual existen varias posibilidades como Youtube, Facebook, Myspace, etc.
Biografía de algunos guitarristas
Cada forma de arte tiene una historia llena de personajes que han contribuido al desarrollo de la misma, unos influyen más y otros menos pero de igual forma contribuyen al desarrollo de la misma.
En la guitarra existieron y siguen habiendo personajes que luchan día a día por llevar a este noble instrumento al sitial que le corresponde, a continuación una breve biografía de los guitarristas que considero más influyentes.
LUIGI LEGNANI
Luigi Legnani fue el guitarrista italiano más importante de aquella generación de GIULIANI y CARULLI. Estos precursores de la guitarra fueron virtuosos y compositores que llevaron al instrumento de los salones a las grandes salas de conciertos. Además elevaron los estándares técnicos y el repertorio de la guitarra, consiguiendo un nuevo y entusiasta público en las principales capitales europeas. En este contexto Legnani apareció como un virtuoso y fue comparado con el mismísimo Paganini.
Legnani nació en Ferrara en 1790 pero vivió en Ravenna desde los ocho años. Esta antigua ciudad se convirtió en el hogar al que retornaría de sus giras y en el que fallecería en 1877. Allí estudió música y guitarra e interpretó con la compañía de ópera local, mientras que su debut como guitarrista lo realizó en Milán en 1819. Fue un suceso inmediato y sus giras de concierto se expandieron hasta incluir todas las capitales europeas desde Madrid hasta San Petersburgo.
Durante las tres décadas siguientes Legnani se convirtió en parte del circuito musical europeo. Colaboró con el pianista y editor vienés Max Joseph Leidesdorf en varias composiciones, mientras que las arias de su buen amigo Rossini fueron la base para muchas de sus fantasías y variaciones. Legnani no sólo actuó junto con Paganini , sino que también le acompañó durante una de las extensas convalecencias del violinista en su estancia cercana a Parma y le asistió preparando varias obras para su publicación.
Como muchos guitarristas, Legnani se fascinó con la construcción de este instrumento y buscó maneras de mejorar sus cualidades sonoras. Colaboró con los luthiers vieneses Georg Ries y Johann Antón Staufer, quienes crearon guitarras “modelo Legnani”. Y cuando se retiró a Ravenna alrededor de 1850, Legnani se convirtió en un renombrado constructor de violines y de guitarras.
La carrera creativa de Legnani es paralela a la carrera como intérprete. Sus primeras obras fueron publicadas por Ricordi en Milán por la misma época en que debutó. El siguiente grupo de obras fue publicado en Viena cuando Legnani se encontraba realizando conciertos ahí. A veces se afirma que escribió más de 250 partituras para guitarra pero probablemente no es cierto.
En 1839 la firma Artaria de Viena, no habiendo publicado obras de Legnani por unos seis años y sabiendo que él podría haberlo hecho en otra parte, decidió evitar cualquier conflicto con números de opus comenzando una nueva serie con el Op.201 y creando con ello una laguna de unos cien números.
Entre los aportes importantes de Legnani al repertorio de la guitarra están los Caprichos Op.20 probablemente inspirados por los Caprichos Op.1 de Paganini y que tal como este modelo demuestran una exuberancia juvenil, enormes demandas técnicas y virtuosísticas, así como un carácter didáctico. Los Caprichos de Legnani alternan obras dramáticas, expresivas y brillantes que exploran casi todas las texturas posibles de la guitarra. Desde su publicación en 1820 se convirtieron en clásicos de la pedagogía de la guitarra a pesar de las dificultades presentadas por varios de ellos.
AGUSTIN BARRIOS
Agustín Pío Barrios, también conocido como "Nitsuga Mangoré" (nacido el 5 de mayo de 1885 en San Juan Bautista Misiones, en Paraguay - fallecido el 7 de agosto de 1944 en San Salvador, El Salvador), fue un guitarrista clásico y compositor paraguayo de origen Guaraní.
Barrios estaba interesado no sólo en la música, se acercó a la filosofía, poesía y teología. Además de castellano y guaraní, la lengua nativa de Paraguay, tenía cierto conocimiento en inglés, alemán y francés.
Barrios fue muy reconocido por sus interpretaciones, en vivo y en grabaciones -fue el primer guitarrista clásico en grabar de forma comercial en discos de 78 rpm-.
Su conocimiento de la teoría musical le permitió componer en varios estilos: barroco, clásico, romántico y descriptivo. Su música se caracteriza por ser de carácter folclórico, imitativo y religioso.
Sus composiciones se basan en cantos y danzas de toda América Latina, entre otras: cueca, chôro, estilo, maxixa, milonga, pericón, tango, zamba, zapateado, polca paraguaya, etc.
La mayor parte de sus obras se pueden considerar de carácter Romántico tardío, a pesar de haber vivido musicalmente en la primera mitad del siglo XX. Compuso preludios, estudios, valses, mazurcas, tarantelas y romanzas.
Su creatividad le permitió componer más de 300 piezas para guitarra, las cuales son fuertemente impulsadas y defendidas por César Amaro, John Williams, David Russell, Laurindo Almeida, Abel Carlevaro, Jesús Benites, Alirio Díaz, entre otros, además de ser consideradas ampliamente de las más importantes en el repertorio de la guitarra clásica.
Jesús Benites [1932-2007], guitarrista peruano que ha grabado varios álbumes de Barrios expresó: "Barrios tuvo que bañarse en la fuente del arte para componer como compuso, y así fue; sus obras han prevalecido y prevalecerán para siempre."
Barrios tenía un carácter excéntrico y ciclotímico. Pasaba por largos periodos depresivos en los que no componía ni tocaba la guitarra y por etapas en las que estaba tan eufórico que se encerraba a componer y practicar sin considerar el tiempo. Fue reconocido además como un buen atleta.
FRANCISCO TÁRREGA
Francisco de Asís Tárrega Eixea (Villarreal, Castellón, 21 de noviembre de 1852 – Barcelona, 15 de diciembre de 1909) fue un compositor y guitarrista español.
Un accidente marcó su infancia cuando, al parecer, cayó a una acequia en un descuido de la muchacha que le cuidaba, y quedó su vista dañada. Su padre, con el temor de que quedara ciego, se trasladó a Castellón para que asistiera a clases de música y pudiera ganarse la vida como músico.
Entró en el Conservatorio de Madrid en 1874, donde estudió composición con Emilio Arrieta. A finales de 1870 enseñaba guitarra (Emilio Pujol y Miguel Llobet fueron alumnos suyos) y daba conciertos con regularidad. Virtuoso de su instrumento, era conocido como el Sarasate de la guitarra. En 1880 dio recitales en París y Londres.
Durante el invierno de 1880, sustituyó a su amigo y guitarrista Luis de Soria en un concierto en Novelda (Alicante), ciudad donde conoció a su futura esposa, María Rizo.
Obras principales y relevancia
Aparte de sus obras originales para guitarra, que incluyen Recuerdos de la Alhambra, el Capricho árabe y la Danza mora, arregló piezas de otros autores para este instrumento, como algunas de Ludwig van Beethoven, Frédéric Chopin y Felix Mendelssohn.
Como otros de sus contemporáneos españoles, su amigo Isaac Albéniz, por ejemplo, Tárrega tuvo interés en combinar la tendencia romántica que prevalecía en la música clásica con los elementos populares españoles. El conocido guitarrista contemporáneo Angelo Gilardino escribió que los 9 preludios de Tárrega son "... el más profundo pensamiento musical de Tárrega de forma concentrada".
Se considera el creador de los fundamentos de la técnica de la guitarra clásica del siglo XX y del interés creciente por la guitarra como instrumento de recital.
Datos curiosos
La música más interpretada y oída en el mundo es la que ahora se conoce con el nombre Melodía Nokia (Nokia Tune) porque es el tono de llamada predeterminado que reproducen más de 850 millones de teléfonos móviles de esa marca comercial, entresacada de una pieza suya llamada Gran vals (compases 14 al 16). Esta melodía se ha convertido, por esa razón, en una de las más escuchadas en todo el mundo. 1 También es digno de mencionar que varios artistas de la actualidad han realizado versiones de piezas suyas: Mike Oldfield incluyó su versión particular y orquestal de Recuerdos de la Alhambra en la banda sonora de la película Los gritos del silencio (The Killing Fields, 1984): se trata del tema Étude.
Para la película El amor en los tiempos del cólera, basada en la novela homónima del escritor colombiano Gabriel García Márquez, se utilizó como tema central la canción Hay amores compuesta por Shakira. La instrumentación de esta canción se basó totalmente en el Capricho árabe, pero la letra fue escrita por la artista colombiana inspirándose en paisajes de su país.
Silvio Rodríguez se inspiró y utilizó los acordes de Lágrima para el tema Alguien de su álbum Mariposas (1999).
FERNANDO SOR
Fernando Sor (13 de febrero de 1778 – 10 de julio de 1839) fue un guitarrista y compositor nacido en Barcelona. Se le conoce a veces como el “Beethoven de la guitarra” en España.
Nació en el seno una familia bastante acomodada, Sor descendía de una larga línea de soldados e intentó continuar esa tradición, pero se apartó de ella cuando su padre le introdujo en la ópera italiana. Se enamoró de la música y abandonó la carrera militar. Junto a la ópera, su padre también le orientó hacia la guitarra cuando, por entonces, era poco más que un instrumento tocado en tabernas, tenido por inferior a los instrumentos de la orquesta.
Sor estudió música en la Escolanía del Monasterio de Montserrat, próximo a Barcelona, hasta que su padre murió. Su madre no pudo seguir financiando sus estudios y lo retiró. Fue en este monasterio donde comenzó a escribir sus primeras piezas para guitarra. En 1797 tuvo lugar en el Teatro de la Santa Cruz de Barcelona el estreno de su ópera Telémaco en la isla de Calipso.
En 1808, cuando Napoleón Bonaparte invadió España, pasó a escribir música nacionalista para la guitarra, acompañada a menudo por líricas patrióticas. Después de la derrota del ejército español, Sor aceptó un puesto administrativo en el gobierno de ocupación, bajo la monarquía de José Bonaparte. Tras la expulsión de los franceses en 1813, Sor y muchos otros artistas y aristócratas que simpatizaron con los franceses abandonaron España por miedo a las represalias. Se fue a París, y nunca volvió a su país de origen. En París hizo amistad con muchos músicos entre ellos el también guitarrista español Dionisio Aguado, colaborando estrechamente e incluso conviviendo juntos durante un tiempo. Compuso un dueto para los dos (Op.41, Les Deux Amis, los dos amigos en el que una parte está marcada "Sor" y la otra "Aguado").
Comenzó a ganar renombre entre la comunidad artística parisiense por sus habilidades para la composición y por su capacidad para tocar la guitarra, e inició ocasionales viajes a través de Europa, obteniendo considerable fama y convirtiendo la guitarra en un instrumento de concierto. Estuvo en Inglaterra en 1815 donde fue reconocido como compositor de óperas y ballets. En 1823 viajó a Rusia donde escribió y presentó exitosamente el ballet Hércules y Onfalia con motivo de la coronación del zar Nicolás I. En 1827, debido en parte a su avanzada edad, se asentó y decidió vivir el resto de su vida en París. Durante este retiro compuso muchas de sus mejores obras, entre otras una didáctica: Método para guitarra, publicado en 1830 y traducido a varios idiomas, incluido al castellano, en el año 2008, a los 178 años de su primera edición.
Su última obra fue una misa en honor de su hija, muerta en 1837. Esta muerte sumió al ya enfermo Sor en una seria depresión, y murió en 1839.
En la guitarra existieron y siguen habiendo personajes que luchan día a día por llevar a este noble instrumento al sitial que le corresponde, a continuación una breve biografía de los guitarristas que considero más influyentes.
LUIGI LEGNANI
Luigi Legnani fue el guitarrista italiano más importante de aquella generación de GIULIANI y CARULLI. Estos precursores de la guitarra fueron virtuosos y compositores que llevaron al instrumento de los salones a las grandes salas de conciertos. Además elevaron los estándares técnicos y el repertorio de la guitarra, consiguiendo un nuevo y entusiasta público en las principales capitales europeas. En este contexto Legnani apareció como un virtuoso y fue comparado con el mismísimo Paganini.
Legnani nació en Ferrara en 1790 pero vivió en Ravenna desde los ocho años. Esta antigua ciudad se convirtió en el hogar al que retornaría de sus giras y en el que fallecería en 1877. Allí estudió música y guitarra e interpretó con la compañía de ópera local, mientras que su debut como guitarrista lo realizó en Milán en 1819. Fue un suceso inmediato y sus giras de concierto se expandieron hasta incluir todas las capitales europeas desde Madrid hasta San Petersburgo.
Durante las tres décadas siguientes Legnani se convirtió en parte del circuito musical europeo. Colaboró con el pianista y editor vienés Max Joseph Leidesdorf en varias composiciones, mientras que las arias de su buen amigo Rossini fueron la base para muchas de sus fantasías y variaciones. Legnani no sólo actuó junto con Paganini , sino que también le acompañó durante una de las extensas convalecencias del violinista en su estancia cercana a Parma y le asistió preparando varias obras para su publicación.
Como muchos guitarristas, Legnani se fascinó con la construcción de este instrumento y buscó maneras de mejorar sus cualidades sonoras. Colaboró con los luthiers vieneses Georg Ries y Johann Antón Staufer, quienes crearon guitarras “modelo Legnani”. Y cuando se retiró a Ravenna alrededor de 1850, Legnani se convirtió en un renombrado constructor de violines y de guitarras.
La carrera creativa de Legnani es paralela a la carrera como intérprete. Sus primeras obras fueron publicadas por Ricordi en Milán por la misma época en que debutó. El siguiente grupo de obras fue publicado en Viena cuando Legnani se encontraba realizando conciertos ahí. A veces se afirma que escribió más de 250 partituras para guitarra pero probablemente no es cierto.
En 1839 la firma Artaria de Viena, no habiendo publicado obras de Legnani por unos seis años y sabiendo que él podría haberlo hecho en otra parte, decidió evitar cualquier conflicto con números de opus comenzando una nueva serie con el Op.201 y creando con ello una laguna de unos cien números.
Entre los aportes importantes de Legnani al repertorio de la guitarra están los Caprichos Op.20 probablemente inspirados por los Caprichos Op.1 de Paganini y que tal como este modelo demuestran una exuberancia juvenil, enormes demandas técnicas y virtuosísticas, así como un carácter didáctico. Los Caprichos de Legnani alternan obras dramáticas, expresivas y brillantes que exploran casi todas las texturas posibles de la guitarra. Desde su publicación en 1820 se convirtieron en clásicos de la pedagogía de la guitarra a pesar de las dificultades presentadas por varios de ellos.
AGUSTIN BARRIOS
Agustín Pío Barrios, también conocido como "Nitsuga Mangoré" (nacido el 5 de mayo de 1885 en San Juan Bautista Misiones, en Paraguay - fallecido el 7 de agosto de 1944 en San Salvador, El Salvador), fue un guitarrista clásico y compositor paraguayo de origen Guaraní.
Barrios estaba interesado no sólo en la música, se acercó a la filosofía, poesía y teología. Además de castellano y guaraní, la lengua nativa de Paraguay, tenía cierto conocimiento en inglés, alemán y francés.
Barrios fue muy reconocido por sus interpretaciones, en vivo y en grabaciones -fue el primer guitarrista clásico en grabar de forma comercial en discos de 78 rpm-.
Su conocimiento de la teoría musical le permitió componer en varios estilos: barroco, clásico, romántico y descriptivo. Su música se caracteriza por ser de carácter folclórico, imitativo y religioso.
Sus composiciones se basan en cantos y danzas de toda América Latina, entre otras: cueca, chôro, estilo, maxixa, milonga, pericón, tango, zamba, zapateado, polca paraguaya, etc.
La mayor parte de sus obras se pueden considerar de carácter Romántico tardío, a pesar de haber vivido musicalmente en la primera mitad del siglo XX. Compuso preludios, estudios, valses, mazurcas, tarantelas y romanzas.
Su creatividad le permitió componer más de 300 piezas para guitarra, las cuales son fuertemente impulsadas y defendidas por César Amaro, John Williams, David Russell, Laurindo Almeida, Abel Carlevaro, Jesús Benites, Alirio Díaz, entre otros, además de ser consideradas ampliamente de las más importantes en el repertorio de la guitarra clásica.
Jesús Benites [1932-2007], guitarrista peruano que ha grabado varios álbumes de Barrios expresó: "Barrios tuvo que bañarse en la fuente del arte para componer como compuso, y así fue; sus obras han prevalecido y prevalecerán para siempre."
Barrios tenía un carácter excéntrico y ciclotímico. Pasaba por largos periodos depresivos en los que no componía ni tocaba la guitarra y por etapas en las que estaba tan eufórico que se encerraba a componer y practicar sin considerar el tiempo. Fue reconocido además como un buen atleta.
FRANCISCO TÁRREGA
Francisco de Asís Tárrega Eixea (Villarreal, Castellón, 21 de noviembre de 1852 – Barcelona, 15 de diciembre de 1909) fue un compositor y guitarrista español.
Un accidente marcó su infancia cuando, al parecer, cayó a una acequia en un descuido de la muchacha que le cuidaba, y quedó su vista dañada. Su padre, con el temor de que quedara ciego, se trasladó a Castellón para que asistiera a clases de música y pudiera ganarse la vida como músico.
Entró en el Conservatorio de Madrid en 1874, donde estudió composición con Emilio Arrieta. A finales de 1870 enseñaba guitarra (Emilio Pujol y Miguel Llobet fueron alumnos suyos) y daba conciertos con regularidad. Virtuoso de su instrumento, era conocido como el Sarasate de la guitarra. En 1880 dio recitales en París y Londres.
Durante el invierno de 1880, sustituyó a su amigo y guitarrista Luis de Soria en un concierto en Novelda (Alicante), ciudad donde conoció a su futura esposa, María Rizo.
Obras principales y relevancia
Aparte de sus obras originales para guitarra, que incluyen Recuerdos de la Alhambra, el Capricho árabe y la Danza mora, arregló piezas de otros autores para este instrumento, como algunas de Ludwig van Beethoven, Frédéric Chopin y Felix Mendelssohn.
Como otros de sus contemporáneos españoles, su amigo Isaac Albéniz, por ejemplo, Tárrega tuvo interés en combinar la tendencia romántica que prevalecía en la música clásica con los elementos populares españoles. El conocido guitarrista contemporáneo Angelo Gilardino escribió que los 9 preludios de Tárrega son "... el más profundo pensamiento musical de Tárrega de forma concentrada".
Se considera el creador de los fundamentos de la técnica de la guitarra clásica del siglo XX y del interés creciente por la guitarra como instrumento de recital.
Datos curiosos
La música más interpretada y oída en el mundo es la que ahora se conoce con el nombre Melodía Nokia (Nokia Tune) porque es el tono de llamada predeterminado que reproducen más de 850 millones de teléfonos móviles de esa marca comercial, entresacada de una pieza suya llamada Gran vals (compases 14 al 16). Esta melodía se ha convertido, por esa razón, en una de las más escuchadas en todo el mundo. 1 También es digno de mencionar que varios artistas de la actualidad han realizado versiones de piezas suyas: Mike Oldfield incluyó su versión particular y orquestal de Recuerdos de la Alhambra en la banda sonora de la película Los gritos del silencio (The Killing Fields, 1984): se trata del tema Étude.
Para la película El amor en los tiempos del cólera, basada en la novela homónima del escritor colombiano Gabriel García Márquez, se utilizó como tema central la canción Hay amores compuesta por Shakira. La instrumentación de esta canción se basó totalmente en el Capricho árabe, pero la letra fue escrita por la artista colombiana inspirándose en paisajes de su país.
Silvio Rodríguez se inspiró y utilizó los acordes de Lágrima para el tema Alguien de su álbum Mariposas (1999).
FERNANDO SOR
Fernando Sor (13 de febrero de 1778 – 10 de julio de 1839) fue un guitarrista y compositor nacido en Barcelona. Se le conoce a veces como el “Beethoven de la guitarra” en España.
Nació en el seno una familia bastante acomodada, Sor descendía de una larga línea de soldados e intentó continuar esa tradición, pero se apartó de ella cuando su padre le introdujo en la ópera italiana. Se enamoró de la música y abandonó la carrera militar. Junto a la ópera, su padre también le orientó hacia la guitarra cuando, por entonces, era poco más que un instrumento tocado en tabernas, tenido por inferior a los instrumentos de la orquesta.
Sor estudió música en la Escolanía del Monasterio de Montserrat, próximo a Barcelona, hasta que su padre murió. Su madre no pudo seguir financiando sus estudios y lo retiró. Fue en este monasterio donde comenzó a escribir sus primeras piezas para guitarra. En 1797 tuvo lugar en el Teatro de la Santa Cruz de Barcelona el estreno de su ópera Telémaco en la isla de Calipso.
En 1808, cuando Napoleón Bonaparte invadió España, pasó a escribir música nacionalista para la guitarra, acompañada a menudo por líricas patrióticas. Después de la derrota del ejército español, Sor aceptó un puesto administrativo en el gobierno de ocupación, bajo la monarquía de José Bonaparte. Tras la expulsión de los franceses en 1813, Sor y muchos otros artistas y aristócratas que simpatizaron con los franceses abandonaron España por miedo a las represalias. Se fue a París, y nunca volvió a su país de origen. En París hizo amistad con muchos músicos entre ellos el también guitarrista español Dionisio Aguado, colaborando estrechamente e incluso conviviendo juntos durante un tiempo. Compuso un dueto para los dos (Op.41, Les Deux Amis, los dos amigos en el que una parte está marcada "Sor" y la otra "Aguado").
Comenzó a ganar renombre entre la comunidad artística parisiense por sus habilidades para la composición y por su capacidad para tocar la guitarra, e inició ocasionales viajes a través de Europa, obteniendo considerable fama y convirtiendo la guitarra en un instrumento de concierto. Estuvo en Inglaterra en 1815 donde fue reconocido como compositor de óperas y ballets. En 1823 viajó a Rusia donde escribió y presentó exitosamente el ballet Hércules y Onfalia con motivo de la coronación del zar Nicolás I. En 1827, debido en parte a su avanzada edad, se asentó y decidió vivir el resto de su vida en París. Durante este retiro compuso muchas de sus mejores obras, entre otras una didáctica: Método para guitarra, publicado en 1830 y traducido a varios idiomas, incluido al castellano, en el año 2008, a los 178 años de su primera edición.
Su última obra fue una misa en honor de su hija, muerta en 1837. Esta muerte sumió al ya enfermo Sor en una seria depresión, y murió en 1839.
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